44 Musique (s) afro-américaine (s)

Hanna Paulsberg dédie cet album à Hatchepsout qui fut l'une des cinq reines pharaonnes de l'Egypte antique ainsi qu'à toutes les femmes fortes de notre histoire qui, confrontées à la discrimination des genres, ont dû se battre contre les inégalités. Depuis que Jan Garbarek l'a propulsé sur le devant de la scène internationale à la fin des années 80, et plus spécifiquement après le succès de l'ascétique Officium en 1994, le jazz norvégien a souvent été considéré comme étant détaché émotionnellement, sans pour autant être totalement dénué de passion. Plus récemment, avec l'émergence d'une nouvelle génération de musiciens norvégiens alignés sur le créneau du mouvement electronica, la scène jazz a acquis une réputation parallèle, obnubilée par la technologie et excessivement autoréférentielle. Le Hanna Paulsberg Concept se joue des stéréotypes. Mené par la saxophoniste ténor, le groupe est profondément ancré dans la tradition du jazz afro-américain. En effet, Daughter of the sun fait même directement écho au jazz africain, et plus particulièrement au style né dans les townships noirs de l'Afrique du Sud à l'époque de l'Apartheid.

Abdullah Ibrahim (qui a également enregistré sous le nom Dollar Brand) est l'un des musiciens les plus connus d'Afrique du Sud. Sa musique est souvent citée comme symbole de la liberté. Son hymne anti-apartheid Mannenberg (sorti aux Etats-Unis sous le nom de Capetown fringe) est désormais considéré comme un hymne national non-officiel en Afrique du Sud. Il s'est même produit lors de l'inauguration de Nelson Mandela, où ce dernier l'a surnommé "notre Mozart". Englobant Township-jazz, piano solo, Highlife et de nombreux styles de jazz moderne, cet album studio (enregistré avec son groupe Ekaya aux studios RAK à Londres) est un retour majeur pour cette véritable légende du jazz qu'est Abdullah Ibrahim.

Sensation jazz depuis une quinzaine d'années, la chanteuse sud-coréenne Youn Sun Nah est connue pour son exploration d'un répertoire jamais exclusif : de ses reprises originales de standards de rock, folk ou chanson à ses compositions aux accents pop. Réalisé par Clément Ducol (Camille, Melody Gardot, Christophe), cet opus propose des reprises (Leonard Cohen, George Harrison, Marvin Gaye, Michel Legrand...) et des compositions originales où les sonorités acoustiques et électriques côtoient électro minimale et arrangements de cordes subtiles. Fidèle à elle-même et à sa voix, Youn Sun Nah pose son empreinte et une saveur unique sur chacune des treize chansons de cet album.

Jazz batá 2 marque un nouveau sommet de créativité pour le compositeur, pianiste et chef d'orchestre, dans lequel il revisite le concept de petit groupe adopté sur son album Jazz batá, sorti en 1972. Enregistré en deux jours et demi au studio de John Lee dans le New Jersey, il est à la fois rythmique et lyrique. La complexité du répertoire batá (musique classique de l'Afrique de l'Ouest) imprègne ses solos de piano tout au long de l'album.

Oscar Peterson, Moe Koffman, Diana Krall, Alain Caron, Gil Evans, Paul Bley, etc., le Canada a produit un nombre conséquent d'artistes de premier plan au sein de la grande famille du jazz. Avec son allure post-moderne, son audace dans le respect des traditions, sa maîtrise et cet esprit spontanément collaboratif propre à une génération née avec les nouvelles technologies, le trio originaire de Toronto est l'un des groupes les plus importants émergeant de la scène canadienne depuis des années.

C'est l'histoire d'une rencontre improbable : celle qui réunit, à quarante ans de distance, de jeunes Parisiens et le son du swingin' Addis des années 70. En octobre 2008, cinq musiciens se réunissent autour d'un projet fou : s'attaquer au répertoire de l'âge d'or éthiopien, découvert sur la fameuse série de rééditions Ethiopiques. C'est ainsi, sur la foi de cette alchimie rétro-futuriste, que naît le quintet Akalé Wubé, un drôle de nom emprunté à un thème du saxophoniste Getatchew Mekurya, une expression un tantinet désuète que l'on peut traduire par 'ma jolie' en amharique.

En choisissant ce qualitatif pour cet album, le saxophoniste augure de futurs débats sur la nature même de son jazz. "Conçu comme une musique de film, Free se veut un parcours libre au travers de différents paysages, différentes émotions" prévient le saxophoniste, qui souhaite tomber le masque, pour en revenir à l'essence de ce qui fonde sa singularité. Plus qu'un titre, une déclaration d'intention. Il fallait oser ce saut en solo, sans filets (les complices sur lesquels on peut s'appuyer, rebondir, se reposer.), un plongeon dans l'océan des sons qui résonne comme une apnée vers les tréfonds de son imaginaire. Fidèle à un état d'esprit DIY, il traduit sur sillon ce qu'il a déjà testé maintes fois par le passé. Pour ce solo, le musicien qui n'a jamais caché son goût pour l'hybride choisit donc de se démultiplier.

Cet album met en lumière l'univers cosmopolite de l'un des plus grands guitaristes actuels. Reliant Paris à Séville, Raphaël Fas réalise une oeuvre manifeste et exprime avec brio sa passion pour la musique manouche et le flamenco. Le voyage musical qu'il propose nous fait revivre l'ambiance de l'âge d'or de la Chope des puces et celle des célèbres bars du quartier de Triana. Raphaël Fas montre là encore toutes ses formidables qualités d'interprète et de compositeur. Il rend hommage au bois de guitare, matériau commun aux cultures gitane et manouche, qui donne toute la résonnance et le souffle à ces musiques cousines, emplies de voyage et de liberté.

Avant de devenir un compositeur de musique de film très apprécié à Hollywood (Le lauréat, Les 3 jours du condor, Tootsie, Susie et les Baker Boys, La firme...), il fut un exceptionnel pianiste de jazz comme en témoigne ce Kaleidoscope de 1965 avec Thad Jones (trompette) et Frank Foster (saxophone).

Cet album est le fruit d'une véritable aventure qui s'est écrite avec le concours de quatre musiciens aussi singuliers que talentueux : Jamie Saft, connu pour sa collaboration avec John Zorn, le contrebassiste tout terrain Brad Jones, le subtil batteur Dan Rieser, compagnon de Norah Jones au sein du groupe The Little Willies et le guitariste Marc Ribot. Entourée de ces quatre personnalités, elle explore un répertoire varié qui emprunte aussi bien au rock qu'au folk, aux rythmes qu'aux textes, à travers des reprises de Joni Mitchell, Paul Simon, Lou Reed ou des compositions originales, qui complètent cet album résolument inspiré par la musique américaine.

Dans cet album, le jazzman (Prix Boris Vian de l'Académie du Jazz 2004, Victoire de la Musique en 2009, Grand Prix du Hot Club de France en 2014 avec le Paris Swing Orchestra) a souhaité rendre hommage à quelques-uns des plus grands trompettistes de l'histoire du jazz (Louis Armstrong, King Oliver, Tommy Ladnier, Rex Stewart, Roy Eldridge, Cootie Williams, Buck Clayton, Joe Newman...) qui l'ont inspiré depuis son enfance et qui lui ont permis d'apprivoiser ce langage musical. Chacun de ces portraits, Patrick les esquisse avec son style, son feeling et son propre langage musical. Et l'on voit poindre au fil des morceaux et des arrangements originaux chaque trompettiste qui a marqué de son empreinte la destinée d'Artero dans cet Art Majeur qu'est la Musique de Jazz. Et quand Patrick joue, ils sont là, tous là... tout près de lui.

Enrico Pieranunzi est certainement le seul pianiste de la scène musicale à pouvoir revendiquer une double filiation jazz et classique. Aux cotés d'André Ceccarelli et de Diego Imbert, il publie en 2016 son album Ménage à trois qui illustre la coexistence de sa femme (la musique classique) et de sa maîtresse (le jazz). Après ce succès international, il était donc tout naturel qu'Enrico, entouré de ces mêmes complices musiciens, se penche sur l'oeuvre de Claude Debussy à l'occasion de la commémoration du centenaire de la disparition de ce dernier le 25 mars 2018. Pour cet hommage jazz, le trio a souhaité également la participation sur certains titres de deux autres artistes de grande qualité : David El Malek au saxophone et Simona Severini au chant.

Une approche très personnelle du saxophone alto, un jeu incandescent dont les phrases sont empreintes d'un lyrisme toujours surprenant, un son qui n'appartient qu'à elle : Géraldine Laurent fait partie de ces figures ayant prouvé qu'elles avaient leur mot à dire et que le jazz n'était pas seulement une affaire d'hommes.